Les chroniques théâtrales dans ‘L’Écho annamite’ pendant la saison 1928 – 1929 : un portrait du chroniqueur dramatique indochinois

par NGUYEN Khieu Anh

CIELAM 19-21 – Aix-Marseille Université

Intervention au séminaire France-Vietnam : Un portail entre les cultures, le 11 octobre 2019

 

À travers une étude des chroniques publiées dans L’Écho annamite pendant la saison 1928 – 1929 au Théâtre Municipal de Saïgon, nous proposons au public un nouvel éclairage sur l’apport du théâtre français à la société coloniale, sur la façon dont un certain type de spectacle a été privilégié par les autorités et comment ce choix a contribué à la naissance du journalisme vietnamien.

L’Écho annamite, fondé en 1920 par Nguyễn Phan Long, une personnalité de premier rang à Saïgon avant 1946, était un des journaux les plus lus dans les années vingt[1]. Sa première « chronique théâtrale » paru en janvier 1928, commence par les mots suivants :

À la demande de nombreux lecteurs, français et annamite, et dans notre souci de leur plaire dans ma mesure de nos moyens, en suivant leurs suggestions, autant qu’il nous est possible de faire, pour rendre notre journal de plus en plus intéressant, nous consacrerons, à compter d’aujourd’hui, une chronique théâtrale régulière aux représentations, qui seront données au théâtre municipal de Saïgon, au cours de la présente saison […]

(L’Écho annamite, n°1071, 12 janvier 1928)

Il faut noter que L’Écho annamite n’est pas le premier quotidien faisant publier des comptes rendus après les spectacles, depuis l’inauguration du Théâtre en 1900, la presse saïgonnais en parle. Arrivé tard mais rapidement remarqué par ses critiques perçantes, L’Écho annamite nous livre un témoignage vivant de la dernière saison régulière que la ville de Saïgon a pu proposer avant la crise économique 1929-1933. En étudiant vingt-huit comptes rendus retraçant à chaud les performances menées par la troupe Eyman pendant cette saison, nous cherchons à comprendre quel théâtre français a été introduit à Saïgon, quelles sont les réactions qu’il a recueillies à l’époque et en répondant à ces questions, cherchons à dresser un portrait du chroniqueur dramatique indochinois.

 En adoptant le modèle canonique que proposent les quotidiens français en Métropole et en Indochine, la « Chronique théâtrale » de L’Écho annamite comporte une à deux colonnes qui résument tout d’abord le contenu de la pièce, puis quelques lignes sur le jeu de l’acteur et sur la réaction du public et enfin, l’évocation du jugement personnel du chroniqueur pour conclure son billet. Sauf des événements importants ou des pièces particulièrement intéressantes, la longueur d’un chronique dépasse rarement trois colonnes et varie entre 1000 et 4000 caractères. La place accordée à cette chronique se trouve normalement à la page 3 (le quotidien comporte 6 pages), parmi les « Chronique de Saïgon », « Chronique des provinces » et des publicités. Au premier abord, elle semble perdue parmi tous ces faits divers qui se répondent entre eux pour retracer une journée de la vie dans la colonie. Or, à la différence de ces textes réunis et rassemblés tels quels, la rédaction de la « Chronique théâtrale » témoigne toujours d’un certain soin stylistique, et peut nous renseigner sur son auteur.

Dans le but de « plaire » aux lecteurs et de « rendre intéressant » son journal, la rédaction de L’Écho annamite a « inauguré » sa chronique par un compte-rendu de La Dame en Rose :

« Nous tombons bien ! La Dame en rose, créée hier à Saïgon, avec le succès le plus complet, et devant une salle enthousiaste et archi-comble, […] Au goût de beaucoup, c’est la pièce la plus gaïe qu’il ait été donné au public saïgonnais d’admirer. »

Or, malgré cette ambiance bon enfant, le chroniqueur a quand même révélé « une toute petite et très légère ombre au tableau :  une ou deux défaillances de mémoire dans le chœur, d’ailleurs imperceptibles à la plupart des spectateurs » – et cette remarque semble avoir bien renforcé son statut de critique et expert d’art dès le premier jour.

Dans la chronique suivante, publiée deux jours après, le journaliste a déjà trouvé son sujet de critique favori : le public saïgonnais et ses préférences théâtrales, envers lesquelles il exprime un certain mépris :

[L]a soirée d’hier n’a pas fait autant de recette que celle de mercredi. Le public saïgonnais préfère le gros rire, l’amusement délassant, à la joie supérieure de l’étude approfondie du cœur humain, des passions humaines.

(Compte-rendu de L’Arlésienne, le 14 janvier 1928)

L’attitude plutôt neutre du début se nuance au fur et à mesure, et après des controverses liées à une pièce censurée[2], le chroniqueur de L’Écho annamite a commencé à signer ses billets et ainsi, son « identité » se révèle peu à peu.

Notre étude des chroniques théâtrales publiées sur L’Écho annamite permet d’identifier au moins quatre contributeurs de cette rubrique, qui signent leurs chroniques de façon anonyme : X. (16 articles), B. (8 articles), T. (1 article) et AVM (1 article). Si le dernier correspond aux initiales de Alex. V. Mésoniat – le rédacteur en chef de L’Écho annamite après Nguyen Phan Long et B. probablement à Eugène Dejean de la Bâtie – le Directeur-Administrateur du journal, T. et X. restent un mystère. L’histoire de la presse saïgonnaise montre que L’Écho annamite dispose de reporters capables de couvrir l’actualité et de se spécialiser en plusieurs domaines ; mais jusqu’à là, personne en Indochine ne s’est fait un nom en tant que critique théâtrale. Par conséquent, il paraît raisonnable pour un débutant de rester discret. Et vu que la plupart des articles ne sont pas signés, il semble que L’Écho annamite adopte une vision assez cohérente dans sa critique dramatique.

 La troupe de la saison 1928-1929, guidée par un certain M. Eyman, se compose des chanteurs et chanteuses d’opérette et des artistes de comédie. La Une du N°1273 nous en donne la liste complète :

Quant au répertoire, il est limité à trois genres : l’opéra comique, l’opérette et le vaudeville – un théâtre populaire à l’intrigue légère, souvent accompagné du chant et de la danse. En regardant les statistiques, on peut remarquer facilement quelles sont les pièces préférées du public saïgonnais.

– Passionnément : qui figure dans chaque saison – 3 représentations vers la fin de la saison 1927-1928,  2 en 1928-1929 et spectacle de la clôture de la première moitié de la saison 1929-1930 ;

– Phi-Phi : 2 représentations en 1927-1928 et 3 en 1928-1929 ;

– Pas sur la bouche !, La Bayadère et La Veuve Joyeuse : chacun bénéfice de 3 représentations en 1928-1929 ;

La plupart de ces œuvres, comme leur titre souvent l’indique explicitement, sortent du répertoire des vaudevilles et du Théâtre de Boulevard. Tous ces œuvres, qui ne demandent qu’un décor basique et s’appuient sur des livrets assez simples, conviennent parfaitement aux conditions du Théâtre Municipal de Saïgon[3] L’enchaînement des flirts, des quiproquos, des passions éphémères sur un fond de musique amusante font oublier aux spectateurs la pauvreté des intrigues. Si en Métropole on a tendance à séparer les spectacles de ce genre de ceux plus « sérieux » : des œuvres classiques, des grandes comédies et des drames lyriques, à Saïgon, la scène municipale où la culture française est supposée rayonner le plus, on n’y trouve qu’un mélange de vaudevilles et de boulevard.

Prenons l’exemple de Phi-Phi (écrite en 1918), opérette portant le nom de son protagoniste le sculpteur grec Phidias qui vécu 600 ans avant J.C. L’action se déroule dans son atelier, où il cherche des modèles pour sa prochaine œuvre intitulé « L’amour et la Vertu fondent le bonheur domestique ». Il a croisé dans la rue Aspasie, une « gamine charmante » et l’a persuadé de poser pour le personnage de l’Amour. La femme de Phidias, par contre, suspicieuse de la relation entre son époux et cette jeune femme, décide alors de poser elle-même pour le sculpteur. Cela l’a fait tomber malgré elle dans le bras du Prince Ardimédon, qui pose pour la Vertu. A ce moment-là, Périclès – le maître de Phidias, a succombé au charme d’Aspasie, demande sa main en mariage et veut la réintroduire au travail de Phidias. Le sculpteur accepte cette proposition et transforme donc son œuvre en « L’Amour et la Vertu, aimé par l’Économie, fondent le bonheur conjugal » avec Aspasie posant pour l’Économie.

 Et c’est aussi au sujet de Phi-Phi, une des œuvres qui a fait le plus de recettes à Saïgon que le critique dramatique de L’Écho annamite allait attaquer.

Nous allons voir une grande différence dans l’attitude des chroniqueurs, en étudiant les trois chroniques sur Phi-Phi suivantes : les deux premières publiées sur L’Écho annamite respectivement le 6 févier 1928 et 7 janvier 1929 et la troisième vient d’un autre journal de l’époque, Le Merle mandarin, où est parue la chronique théâtrale le 11 janvier 1929.

6 février 1928 (L’Écho annamite) – Phi-Phi	7 janvier 1929 (L’Écho annamite) – Phi-Phi	11 janvier 1929 (Le Merle mandarin) – Phi-Phi
En dépit de son succès quasi-mondial, – qui s’explique, – Phi-Phi n’appartient pas à un répertoire de notre goût. Trop de jeux de mots, qui ne font guère honneur à l’esprit des auteurs – à la mode, naturellement ! – trop d’équivoques obscènes dans cette opérette, – du genre moderne, est-il nécessaire de le préciser ? MM. Willemelz et Sollar sont bien peu spirituels quand ils font dire à leur interprètes, par exemple : « Condition ciné Gaumond », pour sine quanon ; ou encore quand ils parodient, sans bonheur au reste, l’air si connu de Manon : « J’en suis encor tout étourdie… c’est mon premier voyage », en faisant chanter à Aspasie : « J’en suis encor tout étourdie,.. c’est mon premier tirage » ! Et la liste est longue, dans Phi Phi, des traits de ce calibre ! Cela s’appelle de l’humour tirée par les cheveux. Ajoutez que l’intrigue est d’une pauvreté déconcertante. Évidemment, Phi Phi attire immanquablement son public : celui dont la curiosité est excitée par de belles jambes, des gorges laiteusement blanches, des … à quoi bon continuer ? On me comprend à mi-mot ! Suivant nos prévisions, une salle archi-comble a assisté, samedi, au Théâtre Municipal, aux infortunes conjugales de Phidias et de Périclès. Les spectateurs cochinchinois aiment cette cuisine-là. Loin de nous l’idée de les en blâmer. Gardons-nous de discuter des goûts et des couleurs, d’autant que nous n’avons ni l’âge ni l’autorité de M. le sénateur Béranger pour jouer au moraliste outrancièrement pudique. Contentons-nous de féliciter Mlles Lange, Prodor, Payen, Dorville, Fabiani, Emma, Fanzy et Brandt, d’avoir voilé les charmes de Mme Phidias, d’Aspasie et d’autres « modèles » de sculpture. Ce n’est pas que nous soyons insensibles à la beauté plastique. Mais elle gagne, à notre humble avis, à se laisser discrètement deviner, au lieu d’étaler leur splendide nudité aux yeux scandalisés de milliers de témoins. La vérité serait moins belle si elle n’était dans son puits, et bien de gracieuses personnes seraient tout simplement des horreurs sans la feuille de vigne traditionnelle dont elles se couvrent ! Les reproches ci-dessus ne s’adresse, il va de soi, qu’aux auteurs. Les interprètes, eux, ne méritent que des compliments. M. Bardollet a été amusant et souple à son ordinaire. Un bon point à M. Bertal, pour sa mise en scène exécutée avec une compétence incontestable. M. Ivonny a été un Périclès aux gestes élégants et aisés. M. Dailly chante toujours admirablement. L’orchestre de M. Lacaze a joué avec brio, quoique, mon Dieu, la musique de Christiné ne soit guère agréable aux oreilles, – très profane, il est vrai, – de votre modeste serviteur.	Nous avons eu déjà l’occasion de le dire, la saison dernière : nous n’aimons pas beaucoup cette opérette, ni moderne ni ancienne, où des personnages de la Grèce antique se comportent exactement comme s’ils vivaient de nos jours, en plein Paris ! Cet anachronisme peut paraître une amusante fantaisie aux yeux de certains critiques. Il constituera toujours pour nous une lourde faute contre le bon goût, d’autant plus qu’il est bourré de jeux de mots et de calembours dont le moins qu’on puisse dire est qu’ils sont loin d’avoir l’esprit nécessaire pour se faire accepter, tolérer ou pardonner. Nous sommes peut-être d’affreux réactionnaires dans le domaine de l’art, au degré de son évolution actuelle mais il est difficile de nous faire admirer un Phidéas parlant latin, une Aspasie se conduisant comme une demie-mondaine des boulevards parisiens, dont elle adopte, au reste, la toilette dernier cri et le langage, copieusement pimenté, pour ne pas dire avantage ! Et pourtant, Phi-Phi fait toujours salle comble, à Paris, comme à Saïgon et ailleurs. Le public a des raisons qui échappent à notre entendement. Cela le regarde, et nous le laissons à ses préférences. Libre à lui d’applaudir les niaiseries des auteurs modernes et faire la moue à Molière, Musset et Hugo. Notre devoir consiste, non pas à adopter ses penchants, mais à lui dire la vérité que nous lui devons, sans espoir même de le convertir à notre religion. Cela prouve simplement que nous ne faisons point partie du troupeau de moutons de Panurge. Peut-être les Lulu et les Phi-Phi doivent-ils leur succès moins à leur valeur intrinsèque qu’aux dessous appétissants de leurs interprètes du sexe faible. Nous sommes définitivement fixés, de même, sans doute, que les auteurs dramatiques contemporains, puisqu’ils tendent de moins en moins à avoir du talent et de plus en plus à montrer de belles jambes et de jolies gorges ! Pour en venir à l’interprétation de samedi soir, disons que, malgré une fatigue évidente, nos artistes ont fait de leur mieux. Dans l’ensemble, ils ont fait bonne impression. Melle Marcya a fait montre d’un brio remarquable. Elle avait le caractère et le tempérament de son personnage, dans la peau duquel elle s’était mise carrément. Nous l’en remercions vivement. Quand à M. Farrès, sa présence sur la scène dans une semblable pièce nous fait regretter l’absence de M. Amato. Ce n’est pas qu’il manque de talent. Mais sa spécialité est ailleurs, il a de quoi « faire un brave mousquetaire » mais non un Don Juan ni un joli-coeur. Chacun son métier… et les opérettes seraient mieux jouées. M. Eyman le sait-il ? En tout cas, le départ de M. Amato, qui lui est directement imputable, a retrouvé à tous que l’actuel directeur artistique de notre théâtre, quoiqu’excellent comédien, n’a pas l’étoffe de son collègue M. Claude Bourrin par exemple. Dommage qu’on ne l’ait pas compris plus tôt ! X…	Opérette de Willemetz et Christiné Phi-Phi fut certainement l’opérette qui obtient le plus gros succès et l’un des mieux interprétées. Nous trouvons inutile étant donné la notoriété de cette œuvre d’en détailler les qualités ; d’un bout à l’autre elle est amusante, gaie, a le mérite de n’avoir pas vieilli tant d’années de vie. Phi-Phi sur l’affiche fera chaque fois salle comble. La plus grosse partie du succès revient à Mlle Marcya qui interprétait le rôle d’Aspasie, elle fut complète : une voix charmante, une bonne diction, amusante ; elle fut ce qu’elle devrait toujours être si on lui donnait les rôles qui lui conviennent. M. Lemarguy fut un très bon Phidias chantant avec esprit des couplets. M. Bringo est vraiment très drôle et sait être différent. Je n’en dirais pas autant de Mlle Foralys qui est la monotonie perfectionnée qu’elle soit en colère, amoureuse, ou en prière, sa voix est la même, ses gestes ne changent pas. M. Farrès, fut un très brillant Ardimédon. Les petits modèles ont mis toute leur bonne volonté comme toujours, et ont d’amusantes scènes avec Bringo. Mlle José Cerdès, une apparition de l’Olympe, fût tout charme et sur une musique jolie mimait du rêve avec son grand talent poétique. Si j’étais sûr de retrouver ce spectacle aux Champs Elysées, sans nul doute, j’y croirais… J. Gauthier

 

Dans les deux chroniques de L’Écho annamite, la question du goût est mise en avant : « Phi-Phi n’appartient pas à un répertoire de notre goût » ; « nous n’aimons pas beaucoup cette opérette ». Ces introductions expriment une résistance, sinon de l’hostilité, au choix de spectacles imposé par le Théâtre Municipal à son public. Certes, la pièce plaît à la majorité, mais le chroniqueur – un « nous » à part réclame quand même le droit de s’indigner, non parce que « notre goût » diffère de celui des autres, mais comme le « nôtre » est le bon et le juste, il faut crier fort pour se faire connaître. Pour ce chroniqueur, il est important de montrer deux points essentiels qui rendent cette pièce scandaleuse :

1) la facilité du genre (opérette moderne) qui ôte à la langue française sa pureté, par l’usage excessif des jeux de mots :

MM. Willemelz et Sollar sont bien peu spirituels quand ils font dire à leur interprètes, par exemple : ”Condition ciné Gaumond”, pour sine quanon ; ou encore quand ils parodient, sans bonheur au reste, l’air si connu de Manon : ”J’en suis encor tout étourdie… c’est mon premier voyage”, en faisant chanter à Aspasie : ”J’en suis encor tout étourdie,.. c’est mon premier tirage !” Et la liste est longue, dans Phi Phi, des traits de ce calibre ! Cela s’appelle de l’humour tirée par les cheveux.

ou encore :

Il constituera toujours pour nous une lourde faute contre le bon goût, d’autant plus qu’il est bourré de jeux de mots et de calembours dont le moins qu’on puisse dire est qu’ils sont loin d’avoir l’esprit nécessaire pour se faire accepter, tolérer ou pardonner.

2) l’anachronisme qui déplace les personnages dans un décor du Paris moderne, malgré leur origine dans la Grèce antique :

[I]l est difficile de nous faire admirer un Phidéas parlant latin, une Aspasie se conduisant comme une demie-mondaine des boulevards parisiens, dont elle adopte, au reste, la toilette dernier cri et le langage, copieusement pimenté, pour ne pas dire avantage !

Sans parler davantage de la « pauvreté déconcertante » de ces « niaiseries des auteurs modernes », le chroniqueur s’émeut de l’aveuglement des spectateurs saïgonnais, et décide de prendre le risque (« Nous sommes peut-être d’affreux réactionnaires dans le domaine de l’art, au degré de son évolution actuelle ») en proclamant haut et fort :

Les reproches ci-dessus ne s’adresse, il va de soi, qu’aux auteurs

tout en critiquant implicitement le public :

Les spectateurs cochinchinois aiment cette cuisine-là. Loin de nous l’idée de les en blâmer. Gardons-nous de discuter des goûts et des couleurs, d’autant que nous n’avons ni l’âge ni l’autorité de M. le sénateur Béranger pour jouer au moraliste outrancièrement pudique

ou encore :

Notre devoir consiste, non pas à adopter ses penchants, mais à lui dire la vérité que nous lui devons, sans espoir même de le convertir à notre religion. Cela prouve simplement que nous ne faisons point partie du troupeau de moutons de Panurge. [4]

Sur ce point-là, il est évident de retrouver dans ses manifestations la posture du précepteur dont la tâche principale consiste à éduquer et corriger. Cette réaction est représentative de la ligne éditoriale, étant donné que lors de ces premiers jours, le journal a adopté pour slogan « Organe de défense des intérêts franco-annamites ». Le fondateur Nguyễn Phan Long a aussi participé activement à l’apprentissage du français des Annamites et à la diffusion du quốc ngữ, par la publication régulière des leçons illustrant sa propre méthode. Ainsi, la première préoccupation du journal est d’instruire le peuple et non de lui donner la faculté de juger en le laissant apprécier lui-même une création artistique. Le seul critère qui lui permet d’évaluer la valeur d’une œuvre est le Temps, il faut que les œuvres, à l’exemple des classiques du théâtre français, survivent à l’épreuve du temps pour obtenir sa confiance. Par conséquent, au lieu d’admettre sa confusion face à des nouveautés ayant fait du bruit à Paris et en Métropole, dont il ne dispose d’aucune connaissance ou référence, le chroniqueur saïgonnais préfère de recourir au supposé « bon sens » – celui qui s’appuie sur une littérature et la défense des mœurs.

Dans une étude sur le « colonniste » rouennais en examinant le rapport entre la scène de Rouen (la province) et la scène parisienne du XX^e siècle, le chercheur Florence Naugrette a déjà parlé de cette posture réactionnaire : 

La province est vantée comme le conservatoire du bon goût, contre les polissonneries du vaudeville, la démagogie du mélodrame social, et les outrances du drame romantique qui séduisent les esprits dépravés de la grand Babylone, mais auxquels résistent vaillamment, au dire des journalistes, les vertueux provinciaux. [5]

Dans ce cas, l’Indochine – la colonie écartée de Métropole présente les mêmes caractéristiques que la province rouennaise par rapport au centre culturel-artistique parisien. Son chroniqueur réagit mal aux changements et témoigne de la prudence envers toute idée de nouveauté. Heureusement, le critique se rend bien compte de sa position délicate et s’en moque légèrement par les désignations telles que « affreux réactionnaires » et « rétrogrades ». Enfin, en tant qu’intellectuel averti, il se montre méfiant à l’égard de la beauté factice des comédiennes, en lui attribuant une grille d’évaluation assez stricte :

Ce n’est pas que nous soyons insensible à la beauté plastique. Mais elle gagne, à notre humble avis, à se laisser discrètement deviner, au lieu d’étaler leur splendide nudité aux yeux scandalisés de milliers de témoins. La vérité serait moins belle si elle n’était dans son puits, et bien de gracieuses personnes seraient tout simplement des horreurs sans la feuille de vigne traditionnelle dont elles se couvrent !

ou :

Peut-être les Lulu et les Phi-Phi doivent-ils leur succès moins à leur valeur intrinsèque qu’aux dessous appétissants de leurs interprètes du sexe faible. Nous sommes définitivement fixés, de même, sans doute, que les auteurs dramatiques contemporains, puisqu’ils tendent de moins en moins à avoir du talent et de plus en plus à montrer de belles jambes et de jolies gorges !

À l’opposition totale de ce conservatisme, le chroniqueur du Merle mandarin écrit sur la représentation de Phi-Phi le 5 janvier 1929 avec une aisance apparente :

Nous trouvons inutile étant donné la notoriété de cette œuvre d’en détailler les qualités ; d’un bout à l’autre elle est amusante, gaie, a le mérite de n’avoir pas vieilli tant d’années de vie. Phi-Phi sur l’affiche fera chaque fois salle comble.

Il fonctionne sur un mode de critique totalement différent de celui du critique de L’Écho annamite. L’auteur de cette chronique se contente d’attribuer de nombreux compliments aux chanteurs et comédiens, et ainsi, rend son article neutre et agréable à lire. En revanche, les articles de L’Écho annamite qui servent à une critique de l’art et de la morale, traduisent honnêtement les ressentis d’un intellectuel avéré. La comparaison de ces différents points de vue nous permet de mieux appréhender le positionnement du journaliste cochinchinois lors de la rédaction de sa chronique, vis-à-vis des œuvres dont le succès est reconnu mondialement, mais leur création à Saïgon l’indigne.          

Dans le Vietnam colonisé et réparti en trois régions sous différents régimes politiques, pouvoir s’exprimer est déjà un privilège, mais écrire sur l’art en critiquant de manière si direct le mauvais goût des colons, il faut être quelqu’un très important ou exceptionnellement courageux. Le journaliste vietnamien est, en fait, exceptionnellement privilégié. L’arrêté de 1881 sur la liberté de la presse, puis l’autorisation aux indigènes de diriger leurs propres journaux ont encouragé les jeunes vietnamiens à s’engager dans cette nouvelle affaire. Ils ont trouvé un nouveau terrain de combat, un nouveau forum où ils peuvent échanger les idées librement – ce que l’éducation confucéenne de leurs aînés ne permet guère.  Si de tous les journalistes français exerçant le métier à l’époque en Indochine l’on ne retient que le nom d’André Malraux, la liste des noms vietnamiens est abondante, et parmi lesquelles l’on retrouve celui de plus grands leaders politiques et hommes de lettres : Nguyễn An Ninh, Nguyễn Ái Quốc, Nguyễn Phan Long, Phan Văn Trường etc. Les journalistes autodidactes ne rapportent pas des événements, ceux-ci servent de décor à l’exposition de leur intervention politique. Le chroniqueur de  L’Écho annamite rentre bien dans la catégorie des intellectuels engagés : ses chroniques théâtres ne nous « plaisent » pas, elles provoquent, renseignent et nous intéressent par leur message passé au second degré. Il est important donc de savoir ce que pense un Annamite « civilisé » à l’égard des êtres prétendument supérieurs à lui, de quelques spectacles luxueux au Théâtre Municipal (qui ne diffèrent pas totalement de son théâtre annamite selon certains critères), de ce lieu prestigieux que les Blancs fréquentent tous les week-ends s’ils ne vont pas à la chasse ou à la plage du Cap Saint-Jacques. Et peu à peu, le portrait du colon au « mauvais goût » se dresse, avec cela la révélation du profil de l’illustrateur. Certes, le colon peut être bête et ridicule, ses loisirs déconcertants, et le journaliste annamite dispose de tous les moyens, y compris des preuves incontestables pour diffuser largement cette vérité fraîchement découverte. Il est question sur ce point de se rendre compte de l’enjeu du travail : comment critiquer sans vexer, comment dénoncer tout en respectant les règles de la bienséance ? Si le chroniqueur indochinois a trouvé la réponse à cette question, il aurait dû s’en servir davantage dans sa pratique professionnelle. 

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[1]     Philippe M. F. PEYCAM, The Birth of Vietnamese Political Journalism: Saigon, 1916-1930, Colombia University Press, 2012, Partie 2.5 « The Limites to Oppositional Journalism (1926-1930) », note 58.

[2]     Il s’agit de La Maîtresse sauvage de Jacques Ponty et Jehan Cendrieux, une pièce « coloniale » en 3 actes.

[3]     « [N]otre théâtre municipal, s’il est digne de Saïgon au point de vue architectural, est bien pauvre en accessoires et décors. Nous préférions un bâtiment moins somptueux, mais doté d’une scène mieux pourvue. Défaut bien colonial que celui qui consiste à soigner l’apparence en négligeant le fond ! » – Compte-rendu de Louise, 17 janvier 1928.

[4]     S’agit-il d’une allusion possible à Francisque Sarcey (1827-1899), le critique dramatique le plus célèbre du XIX^e siècle ?

[5]     Florence NAUGRETTE, « Posture et fonctions du critique de théâtre dans la presse de province : la cas de Rouen », in Mariane BURY et Hélène LAPLACE-CLAVERIE (dir), Le miel et le fiel: la critique théâtrale en France au XIX^e siècle. Theatrum mundi, Presses de l’Université Paris Sorbonne, 2008, pp.132-133.

Pour citer: 

NGUYEN Khieu Anh, "Les chroniques théâtrales dans L’Écho annamite  pendant la saison 1928 – 1929 : un portrait du chroniqueur dramatique indochinois", Un portail entre les cultures, https://vietlitfr.hypotheses.org/3583, mise en ligne le 03 avril 2020.

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